CINEMA ÓMICRON: The matrix

Por Roberto Alfaro Vergara

SIGUE AL CONEJO BLANCO

Antes que se dieran cuenta los Wachowski, entraban al proyecto los productores Joel Silver y Lorenzo di Bonaventura, mientras Warner Bros une fuerzas con Village Roadshow Pictures, consiguiendo un presupuesto inicial de $60.000.000 de dólares y se fijó como locación de rodaje Australia para poder economizar recursos. En una primera instancia se pensó en a Will Smith para el protagónico y Val Kilmer en el papel de Morpheus,pero Smith no comprendía la idea del filme ni menos su filosofía, así que decidió dar un paso a un costado, para rodar “Wild Wild West”, un remake de la conocida serie de televisión de la década de los 60, que pasó sin pena ni gloria por el cine. En su canal de YouTube, el actor de color se refiere a su mala decisión de no haber aceptado el papel de Neo, diciendo: “Nuestros nietos recordarán The Matrix, ¿pero Wild Wild West?¿Alguien?”, agregando que era lógico que si Neo era blanco Morpheus debía der negro, refiriéndose al porqué Kilmer no siguió adelante .

Para que no hubiera más errores de comprensión los directores decidieron hacer un storyboard, que explicara plano por plano cada tiro de cámara. Para lograr esto contactaron a los dibujantes de comics Geof Darrow y Steve Skroce que debieron dibujar la no despreciable suma de 600 páginas, sin contar los decorados que desarrolló Darrow, (ver galería de arte),. A esto se debe sumar que al elenco se le prohibió leer el guión, hasta que no comprendieran exactamente qué terreno estaban pisando, así que comenzaron por comprender el tratado filosófico de 1981 de Jean Baudrillard, que en su obra “Simulacres et Simulation” explora las relaciones entre la realidad, los símbolos y la sociedad, en particular los significados y simbolismo de la cultura y los medios involucrando en la construcción de una compresión de la existencia competida. Otro de los títulos que debieron asimilar fue “Fuera de control: La nueva biología de las máquinas, los sistemas sociales y el mundo económico” de Kevin Kelly, publicado en 1994, una visión sobre los mecanismos de organización compleja, es decir, los campos de ciencia y la filosofía contemporánea que apuntan a una misma dirección: la inteligencia no está organizada en una estructura centralizada, sino más bien como una colmena de pequeños componentes simples, que se podrían aplicar como punto de vista en organizaciones burocráticas, computadores inteligentes y, por supuesto, el cerebro humano. Finalmente el libro “Introducing Evolution”, el cuales una guía de ilustrada escrita por Dylan Evans en 2001, ilustrada por Howard Selina, donde el autor nos lleva a conocer paso a paso por las ideas de Charles Darwin, consideradas por años como peligros, y que ahora adaptan otro punto de vista como los conceptos de selección natural y gen egoísta, a menudo mal interpretado. Una vez que los actores asimilaran esta información al fin podían acceder al escritor y saber qué rol juegan en el metraje.

YEGUA VOLADORA

Uno de los puntos esenciales dentro del filme eran las escenas de acción. Para esto, los Wachowski querían explotar las artes marciales, como aquellas películas orientales que amaban. Con este objetivo se fueron a la fuente misma, el coreógrafo, actor y director de cine chino Yuen Woo-ping, quien entra al mundo cinematográfico con su primer largometraje de 1978, Snake in the Eagle’s Shadow, estelarizado por Jackie Chan. Desde entonces su popularidad no ha amainado, ganando diferentes premios a lo largo de su carrera, como Mejor Coreografía de Acción en los XX Premios de Cine de Hong Kong del año 2000 por el filme del director Ang Lee “Crouching Tiger, Hidden Dragon” producción quecontó con una secuela para televisión “Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny” dirigida por el propio Woo-ping.

Los actores fueron puesto bajo la supervisión del equipo de Woo-ping, quien, además, los supervisaba en persona. Originalmente el plan era entrenarlos por cuatro meses de forma intensiva. Al poco andar, el coreógrafo se percató que ninguno era óptimo para el trabajo, ni física ni mentalmente, así que planificó una estrategia para cada uno de ellos, por entonces, Keanu Reeves venía saliendo de un problema cervical en la columna vertebral que lo mantuvo ejercitando de manera suave. Producto de esto empezó a emerger una parálisis leve en sus piernas debiendo ser sometido a cirugía de su cuello, esto lo mantuvo alejado de ejercicios violentos sin poder patear para evitar algún daño mayor, pero de todas maneras, resultó lesionado siendo sometido a una intervención quirúrgica de cadera.

A pesar de todos los inconvenientes, los actores terminaron aprendiendo las coreografías y las técnicas de combate sostenidos por cables, cosa muy común en el cine oriental.

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TIEMPO DE BALA

Una de las cosas que debían verse reales en la pantalla eran los efectos visuales, si estos no eran producidos correctamente, no convencerán al espectador tirando todo al tacho de la basura. Para esto se contó con el neoyorquino John Gaeta, Licenciado en Bellas Artes en la New York University Tisch School of the Arts. Sus primeros pasos fueron en el programa Saturday Night Live donde realizó diferentes oficios, desde cámara hasta iluminación. Años más tarde, un amigo le menciona que el reconocido especialista de efectos especiales Douglas Trumbull, a quién admiraba por su trabajo en 2001, estaba creando un nuevo departamento dentro de su empresa Trumbull Company, cosa que no pensó dos veces y se presentó, aprendiendo a desarrollar distintos formatos fílmicos entre los que se encuentran 48fps, 70 mm., VistaVision, Showscan, IMAX , OMNIMAX y estéreo CGI, esto le serviría para cimentar y experimentar nuevos formatos de trucos ópticos, complementándolo con el aprendizaje de CGI para visualizar contenidos y conceptos visuales.

Todo esto sirvió para que Gaeta se fuera fogueando y creando un nombre dentro de la industria. De esta manera comienza a trabajar en el filme de los hermanos Wachowski. En 1996 emprende la tarea de experimentar lo que pasaría a ser conocido como “Tiempo de bala”, como otros efectos digitales, que aprovecha de probar en “What Dreams May Come” del director Vincent Ward estrenado el 2 de octubre de 1998. A él se une su colega Kim Libreri que viene la archiconocida Lucasfilm. Ambos ensayan con CGI intentando conseguir para las escenas el mayor realismo posible que involucren fondos y tomas de acción en tiempo real. Para esto utilizaron el GS Cube, un artilugio de 16 procesadores que interactúan en paralelo, idea tomada prestada de un PlayStation 2, renderizado a una innovadora resolución de HD.

Al ser consultado Gaeta de dónde surge la idea del “Tiempo de bala”, este lo explica en la revista “Empire” en febrero del 2006: -“En cuanto a la inspiración artística para el tiempo de bala, le daría el crédito a Katsuhiro Otomo, quien coescribió y dirigió “Akira”, que definitivamente me impresionó, junto con el director Michel Gondry. Sus videos musicales experimentaron con un tipo diferente de técnica llamada vista de transformación y fue solo parte del comienzo de descubrir los enfoques creativos para usar cámaras fijas para efectos especiales. Nuestra técnica fue significativamente diferente porque la construimos para mover objetos que estaban en movimiento, y también pudimos crear eventos en cámara lenta que las ‘cámaras virtuales’ podrían mover, en lugar de la acción estática en los videos musicales de Gondry con La cámara se mueve”.

Pero esto no era todo, se necesitaba desarrollar otros tipos de efectos que fueron rodados de manera tradicional, es decir, la vieja escuela, mientras que otros se debieron crear intrincados modelos 3D, tomando como referencia edificios reales, utilizando la fotografía de los mismos como texturas. Gaeta, para esta tarea, trajo a su equipo a George Borshukov, que también se ocupó de otros detalles. Gracias al realismo conseguido Borshukov terminó diseñando la escena del tiempo bala, entrelazando las imágenes fijas, es decir, fotografía una a una, para crear el efecto de movimiento, cosa que otras empresas que se consultaron para hacerlo no vieron la solución para conseguirlo. La compañía Manex Visual Effects fue la encargada de la gran parte de los efectos visuales como también del control de los Centinelas y de las máquinas dentro del mundo real. Por su parte, Animal Logic se encargó del pasillo de códigos y el estallido del Agente Smith, entre otros. DFilm compuso la escena de Neo brincado de un edificio a otro, y el impacto del helicóptero contra un muro de cristal de una edificación, cosa que tomó varios meses de investigación, donde también se utilizó una maqueta del helicóptero que se estrella en un cristal conectado al reverso por explosivos que revientan de manera sincronizada creando un efecto de onda o dominó.

El gran impacto visual de la película haría que en el 2000 fuera contratado nuevamente Gaeta como Supervisor Principal de Efectos Visuales para completar la trilogía, realizándose los siguientes filmes de manera continua -“The Matrix Reloaded” y “The Matrix Revolutions”– obligando a crear nueva tecnología para crear la ilusión, que actualmente son conocidas como Cinematografía Virtual y Efectos Virtuales -como las llamo Gaeta– la cual se vería recompensada no sólo por la aclamación del público a nivel mundial, sino por diversos premios. Las dos entregas fueron más ambiciosas presentando una guerra final entre hombres y máquinas a gran escala. A pesar de esto, a nivel de guión, este no presentaba ninguna novedad que pudiera satisfacer a un espectador más exigente en la materia, sin embargo se encontraba simplemente ante un deleite visual.

PREMIOS

El éxito comercial sumado a la reinterpretación del viaje del héroe, pero esta vez de manera virtual dentro de la web, como su gran despliegue visual de efectos especiales, marcaría tendencia, donde el color negro, abrigos largos y lentes se impondrán como moda por un buen tiempo. Los premios no se dejarían esperar, de esta manera “The Matrix” conseguiría en el año 2000 cuatro Oscars por parte de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas en las categorías Mejor Montaje Cinematográfico, Mejor Sonido, Mejor Edición de efectos de Sonidos y Mejores Efectos Visuales -no llegando a superar a Star Wars que en 1978 se llevó siete estatuillas- dos BAFTA (British Academy Film Awards) por Mejor Sonido y Mejores Efectos Especiales, cerrando con los afamados Premios Saturn donde fue nominada a nueve categorías logrando solo dos Mejor Película de Ciencia Ficción y Mejor Dirección.

Por su parte, las secuelas no se quedaron atrás consiguiendo algunos trofeos. “The Matrix Reloaded” de 2003 obtendría el BMI Film Music Award durante losBMI Film & TV Awards,en los Teen Choice Awards lograría un reconocimiento en la categoría Choice Movie – Drama/Action Adventure, por su parte en Visual Effects Society Awards ganaBest Single Visual Effect of the Year in Any Medium y un World Stunt Awards por Best Overall Stunt by a Stunt Woman. En tanto “The Matrix Revolutions” también del 2003 estrenada solo con meses de diferencia consigue un premio BMI Film & TV Awards por BMI Film Music Award.

LAS SECUELAS

“The Matrix Reloaded” y “The Matrix Revolutions” ambas del año 2003 dirigidas y escritas también por Andy y Larry Wachowski (quienes cambiaron de sexo y nombre, siendo actualmente conocidas como Lana y Lilly), decidieron filmar ambos filmes a la vez, algo parecido a lo que hizo Robert Zemeckis en Back to the Future, en Reloaded los directores querían efectos visuales sorprendentes, que dejarán atrás el efecto tiempo de bala como un juego de niños. Gaeta debió diseñar y crear una cámara virtual (en otras palabras, una simulación de una cámara) que pudiera componer y descomponer imágenes a partir de una selección de estas. Gracias a esto podemos ver la batalla entre Neo y cien agentes Smith, que se ligaron con otras técnicas, algo que se puede decir que se consiguió en tiempo record, ya que una toma como está, en condiciones normales de efectos visuales, hubiera tomado años. Por su parte, Borshukov se encargó del desarrollo y digitalización del rostro de los personajes gracias a lo que se llama captura de movimiento o motion capture, para integrar a las escenas reales y digitalizadas. Por otra parte, se construyó una enorme carretera para desarrollar una de las escenas más espectaculares dentro de la franquicia, donde se combinó acción en vivo con animación digital. Si Reloaded fue espectacular, Revolutions no se queda atrás con revolucionarias imágenes de acción y efectos visuales, donde vemos la confrontación final, no solo del hombre contra las máquinas, sino del propio Neo contra Smith. El guión, en ambas producciones, parece diluirse, quedando muchas buenas ideas y propuestas en el aire, que perfectamente podrían haberse profundizado más, eliminando de paso algunos personajes secundarios que fueron apareciendo en estas entregas dentro del mundo digital, que a momentos dan la impresión de ser un mero relleno, causando más de un bostezo en el espectador, concluyendo solamente en un festín de efectos especiales, quedando ese gustillo en la boca que con “The Matrix”, bastaba y sobraba.

Por su parte, Animatrix, un compilado de nueve relatos animados, nace cuando los directores se encontraban en Japón promocionando la primera cinta. Es aquí que conocen a varios de los animadores y directores que los habían influenciado en su trabajo, decidiendo crear con ellos esta serie de cortos que están inmersos dentro de la cosmología de Matrix, explicando muchas de las acciones que llevaron a la humanidad a ser esclavizada por las máquinas, como varios puntos que conllevan a los hechos acontecidos en la segunda y tercera entrega, quedando más que claro, que Animatrix aporta mucho más que las secuelas cinematográficas. A pesar de ser una idea inicial de los Wachowski, estos solo escribieron cuatro relatos y estuvieron alejados de la dirección. Así vemos dirigiendo a Kōji Morimoto, Shinichiro Watanabe, Mahiro Maeda, Peter Chung, Andy Jones, Yoshiaki Kawajiri y Takeshi Koike, quienes también fueron responsables de escribir las historias.

CONCLUSIÓN

“The Matrix” marcó un antes y un después dentro del marco del entretenimiento cinematográficos, gracias a su nivel técnico, donde se desarrollaron nuevas técnicas de filmación como de efectos visuales, que quedaron marcadas en la retina del espectador. Donde vimos una interesante historia en su primera entrega -que lamentablemente se fue diluyendo de a poco-, siendo solamente al final de Reloaded donde vemos algo realmente interesante a nivel argumental.

Nota

El presente artículo se publicó en la revista LDP Magazine

FOTO: Warner Bros. Picture

Roberto Alfaro Vergara

Roberto Alfaro Vergara

Diseñador gráfico e historietista chileno. Director y creativo de la revista chilena LDP Magazine. Participó en varias conferencias sobre cómic e historieta.